运用色彩

2017-04-14
当色彩被运用到一个清晰的形式中的时候,就会有知觉冲突的危险。工匠们在使用颜色时总会考虑色彩与形式要如何竞争的问题。  
当雕塑家要在一件已经雕塑完成的作品中上加上颜色时,他常常需要考虑表面纹理。表面纹理是不光滑的、粉末状的还是有光泽的?并且,色彩也能产生触觉属性,而这种属性可能与雕塑材料本身的纹理相辅相成,也可能会相悖。这就导致色彩看起来可能像是浮在雕塑表面,也可能融为一体;还有不透明感和半透明感也是如此。  
格雷斯·瓦普纳将颜料运用到她的陶瓷雕塑作品中。她把雕塑表面处理成柔软却不光滑的质感,这与烧制后的黏土的表面纹理相得益彰。她对于色彩的处理非常果断,黏土的很多部分都裸露着未上色。色彩的运用帮组她建立起视觉的层次感,并在加强雕塑本身形式的过程中增加了其视觉信息量。  
偶尔色彩也会被用来混淆三维空间的概念。比如在《诺里斯环》中,弗兰克·斯泰拉故意使用色彩来模糊相对空间的位置和平面图形的准确轮廓。  
本色  
色彩并不是一件雕塑作品必须的元素。材料本身的属性就可以为雕塑作品提供色彩甚至图案。  
在《尖锐与平坦》中,马丁·普里尔用松木原本就有的神色数疤和红色纹路来构建雕塑的坚硬轮廓。变化的色彩在整件作品表面流动,令作品具有一种动态美。  
那些经历了岁月的旧物常常是很美的,因为它们原本的颜色已经被时光侵蚀。没有人能像约瑟夫·康奈尔那样精妙地传达出老旧材料的美工。他的装置作品将旧物的色彩变化和物体表面的磨损提高到了诗一般的高度。  
作为材料的色彩  
有时候,色彩本身就是雕塑的核心。阿尼什·卡普尔创作雕塑使用的材料是粉末状的颜料。她把颜料粉末散布到地面上,制造出固体颜料的视觉印象。雕塑的表面是不反光的,色彩有一种非常纯净的感觉。  
埃琳·奥基夫的作品结合了雕塑和摄影,她把色彩拜倒了最重要的位置。她用上了色的墙构建出一个小小的内部空间,然后精心的布置灯光,并给它照相,旨在强调色彩与光线的奇妙关系。  
有时,艺术家在它们的作品中使用真实的光线来创造色彩。基思·索尼耶常常在他的三维作品中使用霓虹灯管。这里展示的作品去做《法亚》。他在用灯管照亮作品的同时,也向我们证明了灯光可以成为雕塑作品的组成成分。其他的艺术家,例如詹姆斯·特里尔和奥拉维尔·埃利亚松,已经能自如地使用人工和自然光线创造纯粹的色彩。